«Le plus grand réalisateur controversé du cinéma»: c’est ainsi qu’une chaîne de télévision anglo-saxonne décrit Stanley Kubrick au soir de sa mort. Pour beaucoup, Kubrick représente l’une des formes les plus accomplies du cinéma de par son contrôle total sur l’objet filmique dans son ensemble: du générique à la musique, de l’adaptation au scénario, du son, de la lumière à la photographie (il met au point pour Barry Lyndon une caméra dotée d’objectifs ultras sensibles développés par l’entreprise Zeiss pour la NASA), jusqu’au doublage et aux affiches de ses films à l’étranger. Esthétiquement, il synthétise les bases classiques et européennes de ses aïeux (Bergman, Antonioni, Fellini) avec les inventions avant-gardistes de demain (défis techniques ou l’usage de la musique contemporaine de György Ligeti).

Né à Manhattan en 1928, il ne trouve aucun intérêt à l’école, la physique mis à part. C’est alors la photographie qui le séduit et qui va occuper le plus clair de son temps. A 22 ans, il passe à l’image en mouvement après avoir fréquenté durant des années les projections au MoMA et réalise quelques courts métrages sur la boxe ou la marine marchande. Il emprunte 9'000 dollars à sa famille pour tourner en 1953 son premier long métrage, Fear and Desire, qu'il retirera des circuits de distribution estimant que celui-ci n’était rien de plus qu’un bon exercice. L’année suivante, il tourne Killer’s Kiss – unique scénario original qu'il écrit dans sa carrière – dont la mise en scène sera récompensée au Festival de Locarno en 1959 et qui recevra les louanges de Freddy Buache qualifiant Kubrick de «cinéaste de valeur». A la sortie du film aux USA, le jeune producteur James B. Harris rencontre Kubrick et lui ouvre les portes d’Hollywood: The Killing sera son premier film à gros budget, et le premier d’une série de chefs-d’œuvre.

La suite, tout le monde la connaît. Kubrick va toucher à tous les genres, gêner le public et la presse, se faire censurer et aduler. La puissance de sa mise en scène donne lieu à des sommets de cinéma. La photographie, toujours minutieuse, ravit à chaque fois notre œil; repensez aux plans de crépuscule de Full Metal Jacket qui font peut-être partie des plus beaux jamais tournés pour un film de guerre. La guerre, justement, est omniprésente chez Kubrick: le Viêtnam bien sûr, mais aussi la guerre imaginaire de Fear and Desire, la guerre de Sept Ans, la guerre de l’espace, la Grande Guerre, la troisième guerre servile dans Spartacus, la guerre froide de Dr. Strangelove, puis les guerres métaphysiques, psychologiques, mentales qui questionnent les conflits entre l’humain et la machine à travers les combats de l’âme, de la morale et de l’esprit (Lolita, Shining).

En fin de carrière, Stanley Kubrick délaisse la guerre concrète pour des questions plus cérébrales, plus viscérales et moins palpables: dans un New York chimérique, Eyes Wide Shut résume le quotidien d’un couple de bourgeois, où la mort frappe et où le destin attend patiemment les erreurs humaines. Il nous quittait à l’aube du XXIe siècle, anticipant dans son œuvre tous les problèmes d’aujourd’hui (la planète et l’espace, les guerres et la violence). Il est parti sans jamais vraiment donner de réponses; en nous cédant l’image, le mouvement, la musique et son art.

Maxime Morisod

A travers cinq expositions, le Musée des beaux-arts du Locle (MBAL) propose à ses visiteurs de plonger dans l’agitation new-yorkaise en réunissant différents regards sur la ville: au cœur de ceux-ci, celui du jeune Stanley Kubrick qui est alors photographe.

Avant de devenir le cinéaste mondialement connu des films 2001: A Space Odyssey ou A Clockwork Orange, Stanley Kubrick arpente les rues de New York avec son appareil photographique pour le magazine américain Look. C’est entre 17 et 22 ans et grâce à la photographie qu’il développe l’art du cadrage, de la composition et de l’éclairage, l’objectif braqué sur sa ville natale. Sa première photographie est publiée en 1945 par Look dont il rejoint les rangs cinq ans avant la réalisation de son premier court métrage.

L’exposition «Sous un autre angle: Stanley Kubrick, photographe», organisée par le Museum of the City of New York, révèle le célèbre réalisateur sous une nouvelle lumière. Le Musée des beaux-arts du Locle (MBAL) est ravi d’accueillir la première escale européenne de cette importante exposition.

L’exposition «Sous un autre angle: Stanley Kubrick, photographe» a lieu du 24 octobre 2020 au 31 janvier 2021.

Plus d’informations sur www.mbal.ch

A l’exception de Killer’s Kiss, Stanley Kubrick a toujours préféré adapter des œuvres littéraires. Une norme qu’il se plaît à poursuivre tout au long de sa carrière, admirant la profondeur des récits de fiction et usant de tous les genres cinématographiques: la comédie (Dr Strangelove), l’horreur (The Shining), la science-fiction (2001: A Space Odyssey), le drame (Eyes Wide Shut, Lolita), le péplum (Spartacus), le film noir (The Killing),

le film à costumes (Barry Lyndon) et bien sûr plusieurs films de guerre (Paths of Glory, Full Metal Jacket...).

Les origines de l’œuvre d’un auteur ont souvent une source simple: son enfance. Ce n’est pas un hasard si le «Rosebud» du Citizen Kane d’Orson Welles est devenu le symbole de ce mystère. (...) «Un homme n’a pas un seul Rosebud, disait Chabrol, mais une petite dizaine. C’est le seul tort de Welles ne pas avoir osé le dire...» (...).

La vie de Claude Chabrol – ou son déroulement – est donc une source d’inspiration, même si la part d’autobiographie y est nettement plus floue et plus faible que chez un François Truffaut, qui en a fait un matériau permanent, même décalé. Pas d’Antoine Doinel chez Chabrol, mais des Charles, des Paul ou des Louis, qui empruntent une part de sa vie d’homme, de ses angoisses, de ses passions et de ses farces macabres.

L’un des plus éminents paradoxes chabroliens est d’ailleurs le suivant: il a besoin de rire de tout, et il ne cesse de composer des personnages ambigus et douloureux. On voit souffrir les insectes chabroliens, livrés aux tortures raffinées de l’entomologiste, prisonniers de leur milieu social, proches de la rupture ou de la mort. Plus ils semblent heureux, plus ils finissent mal. Autant Claude Chabrol se donne l’apparence d’un artiste débonnaire, autant ses films sont cyniques, tranchants, vertigineux, noirs et sanglants. Et cette part sombre envahit de plus en plus la fin de sa filmographie. Pourquoi cette bizarrerie, cette contradiction permanente, du Beau Serge à Bellamy? (...)

Disons donc que le fils unique d’un petit notable creusois qui a grandi entre les pilules et les fioles de monsieur Homais, qui a connu une mère autoritaire, un père compréhensif et courageux, une grand-mère aimable et bonne vivante et qui est devenu un puits de culture du côté de Sardent, a forgé là-bas, à Sardent, dans le village du Beau Serge, copie du Trémolat du Boucher, sa vision du cinéma en animant son premier ciné-club.

Les «Rosebud» seraient donc sa naissance difficile, les maladies infantiles, la guerre, la Résistance, Sardent, les Cahiers du cinéma, les épouses toutes liées au cinéma (Agnès Goute, Stéphane Audran, Aurore Chabrol), plus un zeste de Balzac, de Flaubert et de Simenon. Plus une intelligence et une lucidité hors du commun. Sans oublier les cahiers Clairefontaine qui ont recueilli cinquante scripts ciselés comme du cristal de Bohême, écrits à la sueur d’un front balzacien, enfoui sous les mèches batailleuses de la réflexion.

Après quelques années de rires, toute une vie pour ne plus en rire. Pas de quoi en faire une œuvre, dira-t-on? Diantre, si!

La Comédie humaine s’offre à Chabrol et il s’en empare. Avec cette volonté rare de vouloir être à la fois heureux dans le quotidien pour mieux parler du malheur dans la création et le cinéma. Un parti pris choisi très tôt et jamais lâché. Sinon, c’était le saut dans le vide, dans le néant, dans la mort, et Chabrol voulait vivre vieux et finir gâteux dans son lit, comme il le dit dans le questionnaire de Proust.

Michel Pascal, extrait de l’ouvrage Claude Chabrol (Ed. La Martinière, 2012) qu’il a consacré au cinéaste.

On lui demandait souvent pourquoi il avait réalisé autant de films si différents. « Parce que je le peux » aimait-il répondre. En vérité, le cinéma d’Alan Parker, réalisateur, romancier, peintre, cartooniste, est le reflet d’une personnalité curieuse et complexe, aux multiples intérêts et convictions morales. Qu’il s’agisse de films musicaux (Fame, Pink Floyd : The Wall, The Commitments, Evita), de thrillers politiques (Mississippi Burning, The Life of David Gale), de films d’horreur psychologique (Angel Heart), ou de drames familiaux (Shoot the Moon, Angela’s Ashes), Parker n’oubliera jamais ce que Ken Loach lui avait déclaré au début de sa carrière : « not to ask how, but why (ne pas se demander comment, mais pourquoi)».

Issu d’une famille de la «working class» londonienne, il commence à travailler dans une agence publicitaire comme stagiaire. Devenu rédacteur, puis auteur et enfin réalisateur de «tv commercials», il fait partie à la fin des années 1960 d'un groupe de cinéastes britanniques qui révolutionnent le monde de la publicité (avec Ridley et Tony Scott, Hugh Hudson et Adrian Lyne). En 1973, il hypothèque sa maison pour terminer son premier film, qui sera ensuite acheté par la BBC. En 1976, il décide d’essayer de réaliser son premier film pour le cinéma. Ce sera Bugsy Malone, une comédie musicale de gangsters qui se déroule dans l’Amérique des années 1930 et qui est entièrement jouée par des enfants : parce qu’après avoir réalisé des centaines de publicités avec des «kids», il se savait bon dans la direction de jeunes acteurs. Le film, porté par Jodie Foster (la même année où Taxi Driver sortait en salles), se retrouve en compétition au Festival de Cannes et nommé aux Golden Globes et aux Oscars. Le grand succès au box-office de son deuxième film, Midnight Express, scénarisé par Oliver Stone – encore inconnu – et entraîné par la musique du jeune compositeur de disco Giorgio Moroder, lui ouvre définitivement les portes d’Hollywood. Toujours humble et extrêmement lucide, Parker estime faire désormais partie de l’industrie cinématographique américaine, tout en se considérant comme un cinéaste européen. Dans les années 1980 et 1990, il alterne des productions aux castings étoilés (De Niro et Mickey Rourke dans Angel Heart, Gene Hackman et Willem Dafoe dans Mississippi Burning, Madonna et Antonio Banderas dans Evita...) avec des productions plus modestes aux acteurs inconnus (Fame, The Commitments).

A la fin de sa carrière, après l’accueil mitigé réservé à The Life of David Gale, Parker se focalise de plus en plus sur sa peinture, non sans une pointe d’amertume envers la nouvelle génération de dirigeants des studios américains, «beaucoup plus intrusive et manipulatrice qu'avant». Avec une ironie glaçante, à propos de «la mort de l’industrie du cinéma intelligent», il déclarera que «Spielberg et Lucas ont du sang sur leurs mains, (...) responsables plus que d’autres réalisateurs de la façon dont le septième art est devenu totalement commercial et populiste».

Storyteller libre et rigoureux, justement récompensé à de nombreuses reprises, Parker nous a quittés en juillet dernier.

Chicca Bergonzi

Federico Fellini aurait eu 100 ans cette année. Après l’intégrale que nous lui avons consacrée en 2011 à l’occasion de l’exposition «Fellini, la Grande Parade» au Musée de l’Elysée, nous n’avons jamais arrêté de programmer ses films, son œuvre étant une source d’inspiration inépuisable et universelle. Pour les passionnés de l’art du maestro ou pour les néophytes, nous lui consacrons deux journées avec la projection de trois de ses films en 35mm.

La dolce vita (1960), long métrage charnière dans le cinéma italien et dans l’œuvre de Fellini, révolutionnaire dans son récit, scandaleux et outrancier pour certains, défendu et acclamé par d’autres. Otto e mezzo (1963), autoportrait du cinéaste qui flirte avec le fantastique, sublimation poétique et onirique de la crise existentielle et créative de l’artiste. Et puis, Amarcord (1973), film de l’adieu à sa jeunesse, mais aussi portrait impitoyable – bien qu’humoristique – de l’«Italietta» fasciste.

«Raconter avec le cinéma des histoires (...) dans un inextricable mélange de sincérité et d’invention, d’envie d’étonner, de se confesser, de s’absoudre, de plaire, intéresser, faire la morale, rire et émouvoir» (Federico Fellini).

Chicca Bergonzi

Le 7 novembre se tient au Cinématographe le traditionnel Marathon LACS qui présente, sur une journée, des films restaurés ou acquis par notre institution grâce au soutien de l’association des Amis de la Cinémathèque suisse (LACS).

L’association a pour but d’appuyer la Cinémathèque suisse dans ses diverses tâches de conservation, de sauvetage, d’enrichissement et de mise en valeur de son patrimoine culturel. En 2019, parmi les 17 films dont la Cinémathèque suisse a acheté les copies et les droits grâce au fonds LACS, on peut citer: The General de Buster Keaton, La Traversée de Paris de Claude Autant-Lara, Un condamné à mort s’est échappé de Robert Bresson, Deux Hommes à Manhattan de Jean-Pierre Melville et Lola de Jacques Demy, ainsi que des films de Jean Vigo, Francis Reusser, Patricia Plattner, Abbas Kiarostami et Michael Palm. Mais aussi French Cancan de Jean Renoir qui sera projeté le 7 novembre avec trois autres films ayant déjà bénéficié d’une contribution de notre association.

Si vous voulez participer à l’enrichissement de la collection de la Cinéma- thèque suisse, rejoignez l’association LACS. Vous bénéficierez ainsi d’un accès privilégié à certains événements organisés par la Cinémathèque suisse.

François Emery, président LACS

Renseignements: www.cinematheque.ch/f/rejoindre-les-amis ou dépliants déposés à la caisse du Casino de Montbenon.

Pour célébrer le 25e anniversaire de Memoriav, l'association pour la sauvegarde de la mémoire audiovisuelle suisse, la Cinémathèque suisse propose un programme de dix courts métrages restaurés.

Memoriav et la Cinémathèque suisse: c’est une longue histoire, presque un long métrage. En effet, la Cinémathèque suisse fait partie des membres fondateurs qui ont créé l’association Memoriav en 1995, dans un moment de détresse, quand le patrimoine audiovisuel suisse était menacé par la destruction matérielle. En vingt-cinq ans, Memoriav est devenue une association reconnue qui apporte une contribution décisive et durable à la préservation du patrimoine audiovisuel dans toutes les régions de Suisse. Le partenariat qui la lie à la Cinémathèque suisse est très étroit: des restaurations et des projets communs sont réalisés, et les échanges professionnels entre spécialistes du film se poursuivent régulièrement. Ces liens multiples se sont encore fortifiés durant ces années.

Grâce à la participation de Memoriav, des œuvres suisses en péril, comme les fictions et les documentaires de cinéastes helvétiques, ainsi que des films de commande, des films de familles ou le Ciné-Journal suisse, ont pu être restaurés. Ce n’est que dans un important effort commun que le patrimoine audiovisuel suisse se conserve.

Cécile Vilas, directrice de Memoriav

Ce programme illustre deux aspects liés aux restaurations effectuées sous l’égide de l’association Memoriav. Il s’efforce de refléter la structure de la production cinématographique nationale, qui, si elle compte une part de fiction, est dominée par une forte proportion d’œuvres de commande: ces restaurations s’apparentent en premier lieu aux actualités, aux documentaires touristiques ou industriels. Elle fait aussi la part belle à l’animation.

Il s’agit, d’autre part, de souligner que les duplications dépendent largement de l’évolution technologique. On est ainsi passé de la pellicule au numérique, en les combinant parfois, mais en s’efforçant de toujours disposer d’un élément de préservation sur film, seul moyen de conservation pérenne. La coexistence des technologies permet aujourd’hui à la fois de continuer à voir des films dans leur support d’origine, mais également de reproduire de manière plus adéquate certains procédés comme le Dufaycolor. Il convient de remarquer, enfin, que ces restau- rations ont été possibles grâce à la mise en place de compétences variées, qui vont de l’expertise technique à une recontextualisation historique, en passant par la collaboration de laboratoires spécialisés.

Cette séance est présentée par Cécile Vilas, directrice de Memoriav, Caroline Fournier, cheffe du département Film de la Cinémathèque suisse, et Pierre-Emmanuel Jaques, historien du cinéma. Elle est également accompagnée au piano par Enrico Camponovo.

Fondée en 1990 au moment de l’entrée en fonction du professeur François Albera, la Section d’histoire et esthétique du cinéma de la Faculté des lettres de l’Université de Lausanne (UNIL), seul département de ce type en Suisse romande, fête cette année ses 30 ans. Cet anniversaire est célébré par trois journées de projections de films organisées dans

les murs de la Cinémathèque suisse, important partenaire de la Section au sein de la Collaboration UNIL+CS, et connaîtra, une fois la situation sanitaire résolue, des prolongements ultérieurs sur le site de l’UNIL. La programmation illustre certains des objets d’études privilégiés par les chercheuses et chercheurs de la Section, et témoigne de la diversification des approches qu’a connue la discipline des études cinématographiques à l’Université de Lausanne au fil de son essor. Chaque séance sera précédée d’une introduction visant à articuler les films présentés avec certaines questions théoriques, méthodologiques ou archivistiques traitées par les enseignants et enseignantes de l’UNIL.

Les textes de présentation des films de ce cycle ont été rédigés par des collaborateurs de la Section de cinéma: Alain Boillat (ab), Laurent Le Forestier (llf), Achilleas Papakonstantis (ap) et Carine Bernasconi (cb).

Chaque film est présenté par un(e) chercheur(euse) de la Section.

Dès septembre et une fois par mois, la Cinémathèque suisse propose une sélection de films autour de la thématique de l’uchronie – reconstruction fictive de l’histoire – issus d’une rétrospective que le Festival International de Films de Fribourg (FIFF) avait initialement prévue pour son édition 2020.

En choisissant, pour la section « Cinéma de genre » du FIFF 2020, l’uchronie, ce sous-genre qui ose réécrire l'Histoire, nous ne nous attendions pas à trouver si peu de titres recensés. Et puis, l’évidence a surgi. L’image des peuples d’origine asiatique ou africaine dans le cinéma occidental,

ou encore des femmes dans la quasi-totalité des productions? Uchronies! Car le cinéma, tel qu’il se pratique depuis 125 ans, consiste essentiellement à réécrire l'Histoire d’un point de vue de mâles, si possible blancs.

Et si ? Cette question toute simple pousse la porte d’autres mondes. Et si la guerre de Sécession avait tourné au profit des esclavagistes ? Et si les Noirs américains dirigeaient leur pays et pratiquaient une discrimination raciale contre les Blancs?

Et si ? Bienvenue dans le monde de l’uchronie au travers de quelques perles à vous faire douter de tout.

Thierry Jobin, directeur artistique du FIFF, et Jean-Philippe Bernard, curateur de la section «Cinéma de genre: Mondes à l’envers»

Les souvenirs, les anecdotes, l’admiration pour l’homme de culture, poète et visionnaire inépuisable, et la reconnaissance de son rôle de passeur qui a contribué à initier et à former de nombreuses générations de cinéphiles et de professionnels du cinéma du monde entier, sont à la base de cette ligne de programmation consacrée à Freddy Buache.

Elle est en même temps le témoignage de la reconnaissance que nous – amis, cinéastes, artistes, élèves, étudiants et spectateurs de tout âge – lui portons, mais aussi de l’empreinte indélébile qu’il a laissée dans nos esprits.

Parce que le Freddy que nous avons connu, avec ses envolées enthousiastes, ses coups de gueule, ses combats, ses aversions et ses remises en question, a toujours été guidé par un amour et un respect profond pour l’être humain et son art, ainsi que par la passion de partager ce même amour avec les autres, peu importe où et comment.

Chaque mois, nous avons ainsi l’occasion de remontrer les films qui ont constitué sa cinéphilie et ceux qu’il a accompagnés, analysés ou même critiqués. Une programmation qui rappellera comment il a fait découvrir autant d’univers cinématographiques à un public éclectique, toujours fasciné par sa ferveur et par la facilité qu’il avait à raconter... jusqu’à le conquérir.

Chicca Bergonzi

Passeur passionné, l’ancien directeur du CAC-Voltaire (Genève) présente chaque mois à la Cinémathèque suisse un film qui l’a marqué et dont il désire partager l'histoire avec les spectateurs.

« Depuis ma plus tendre enfance, j’associe ma passion du cinéma à mon amour de la vie. Qu’il fasse beau ou qu’il pleuve, en temps de guerre ou de paix, que le monde aille à sa perte ou qu’il se reconstruise avec bonheur, les films ont toujours été les régulateurs de mon existence. Rien de plus naturel donc à ce que je tienne à transmettre aux autres les éléments qui constituent la clé de ma raison de vivre » (Rui Nogueira).

Collaborateur de revues et ouvrages sur le cinéma, délégué de

festivals et directeur du CAC-Voltaire de 1978 à 2010, Rui Nogueira a proposé dans ses salles le meilleur de l’histoire du cinéma, mêlant aux films sa propre histoire et ses nombreuses rencontres avec des cinéastes et des comédiens. En réunissant une impressionnante collection de copies – et en les mettant en circulation en Suisse – il a également contribué à diffuser partout sa perception (et sa passion) du cinéma. Nous le retrouvons à présent à la Cinémathèque suisse, une fois par mois, où il continue de partager avec le public ses (nombreux) coups de cœur.

En partenariat avec la Fondation Rui Nogueira.

Moment d’approfondissement en présence de programmateurs, auteurs, cinéastes, critiques ou historiens du cinéma, ce cycle propose chaque mois une projection autour d’un film «documentaire». Un espace de discussion et de réflexion consacré non pas à un genre cinématographique prédéfini, mais à des œuvres peu connues ou à redécouvrir, qui fuient une définition stricte ou didactique des «images du réel», en opposition aux films de fiction.

Aujourd’hui, la frontière entre documentaire et fiction s’estompe de plus en plus. Le cinéma peut être terrain d’expériences narratives multiples ou se simplifier en formules rhétoriques et préconçues. C’est pour cette raison que nous sentons le besoin d’accompagner notre public à travers un cinéma qui se questionne, interroge le réel, élabore des hypothèses et propose des regards multiples. Parce que si l’objectivité au cinéma n’existe pas, nous avons soif d’une prise de position assumée et revendiquée de l’auteur, qui rende compte de la relation entre le cinéaste, son sujet et le spectateur. Pour redéfinir notre relation au réel, passé, présent et futur.

Chicca Bergonzi

Travelling vous emmène dans l’histoire des tournages des films cultes. La petite histoire des grands films vous est racontée entre anecdotes, archives et extraits. Dans notre projecteur sonore, ces mêmes films révèlent leur propre récit et nous permettent d’accueillir, dans notre cinéma radiophonique, tous les acteurs du septième art.

Catherine Fattebert vous invite à écouter (sur La 1ère) et à regarder (à la Cinémathèque suisse) Evil Dead, Tous les matins du monde, Le père Noël est une ordure, The Goonies ou Pink Floyd : The Wall, entre autres. Travelling, un déplacement de caméra pour tout connaître de l'histoire du cinéma!

En 2006, la Cinémathèque suisse débute un cycle destiné à présenter « Une histoire du cinéma en 300 films ». Mais bien vite, le chiffre de 300 s'est révélé insuffisant. Et ce programme est devenu une « Histoire permanente du cinéma », destinée à offrir au public, année après année, une sélection des œuvres qui ont marqué le septième art. Etablie par le grand cinéphile Bernard Uhlmann, ancien directeur adjoint de notre institution, cette sélection (forcément subjective) réunit des films choisis pour leur importance historique, culturelle ou artistique.

Des œuvres particulièrement représentatives d'un auteur, d'une grande star, d'un courant, d'un genre, d'une mode ou d'un style. Un choix par force imparfait et peut-être arbitraire, mais qui permet l'approche concrète d'un art ayant marqué le XXe siècle et les mentalités de manière indélébile. C'est enfin l'occasion rêvée de remontrer de grands classiques, de susciter des (re)découvertes ou de rafraîchir salutairement les mémoires.

Festival international du film de Berlin – Ours d’or

Adoption (Örökbefogadás) de Márta Mészáros

Festival international du film de Cannes – Palme d’or

Chronique des années de braise (Waqa'i' sanawat ed-djamr) de Mohammed Lakhdar-Hamina

Festival international du film de Locarno – Léopard d’or

Le fils d’Amr est mort de Jean-Jacques Andrien

Mostra de Venise – Lion d’or

Suite aux événements de Mai 68, les éditions de la Mostra de Venise de 1969 à 1979 deviennent non compétitives et aucun prix n’est décerné pendant cette période.

Le programme «Ovomaltine» réunit plusieurs films, restaurés ces dernières années, en relation avec la firme fondée par Georg Wander et à l’origine de cette célèbre poudre chocolatée. Ces documents mettent en lumière l’usage que cette entreprise suisse d’agroalimentaire a pu faire du cinéma dans le passé. Il s’agit principalement de films promotionnels datant des années 1920 à 1940, dont on peut voir évoluer la forme et le contenu au fil du temps.

Séance présentée par Carine Soleilhavoup, responsable du secteur conservation et restauration film, et Timothée Olivier, historien et spécialiste de l’Ovomaltine et l’entreprise Wander S.A.. Accompagnement au piano par Enrico Camponovo

Chaque deuxième mardi du mois, des œuvres restaurées à (re)découvrir. En novembre, une soirée pour célébrer le 25e anniversaire de l’association Memoriav; en décembre, un programme de films courts autour de l’Ovomaltine et de la firme suisse à l’origine de son invention.

Chargée par la Confédération d'assurer la préservation de l'héritage cinématographique national, la Cinémathèque suisse effectue des restaurations de films avec le soutien de Memoriav – Association pour la sauvegarde de la mémoire audiovisuelle suisse. La sélection s'établit en fonction d'une urgence technique (dégradation des supports), des caractéristiques des collections et de la représentativité des œuvres. Outre les longs métrages, on s'efforce de sauver des pans moins connus de la production suisse : documentaires, actualités, films amateurs. Mais aussi des films auxquels des Suisses ont participé, dont de nombreux reportages réalisés lors d'expéditions. On s'intéresse encore à la représentation de la Suisse dans les films tournés par des équipes étrangères. Sont présentés enfin des films d'autres pays dont le seul exemplaire connu est conservé par la Cinémathèque suisse, ainsi que des restaurations exemplaires effectuées par des institutions sœurs à l'étranger.

Issu d’un partenariat entre le Département de la formation, de la jeunesse et de la culture de l'Etat de Vaud (DFJC) et diverses structures culturelles vaudoises, le Passculture promeut la culture auprès des élèves de l’enseignement postobligatoire en facilitant l’accès aux spectacles et projections. Les élèves peuvent ainsi accéder à l’ensemble de la programmation courante de la Cinémathèque suisse au tarif préférentiel de 4 francs, hors avant- premières et ciné-concerts.

De manière complémentaire, la Direction générale de l’enseignement postobligatoire (DGEP) et le Centre d’études cinématographiques (CEC) de l’UNIL présentent une offre de médiation intégrée au Passculture. Huit séances bénéficiant d’une animation pédagogique sont ainsi programmées sur l’année. Des dossiers pédagogiques sont élaborés en fonction de certaines disciplines à l’intention des enseignants qui souhaiteraient intégrer une discussion des films du programme dans leurs cours. Animées par deux enseignants, Séverine Graff (Gymnase du Bugnon) et Frank Dayen (Gymnase de Morges), ainsi que ponctuellement par la chargée de la médiation culturelle du CEC, Chloé Hofmann, ou le directeur du Centre, Alain Boillat, ces séances tout public sont conçues avant tout comme un lieu d’échange intergénérationnel réunissant des passionnés de cinéma, dans un esprit de ciné-club.

Le cours «Une histoire du cinéma en mots et en images», qui s’inscrit dans la filiation du cours public dispensé entre 1984 et 2019 à la Cinémathèque suisse par son ancien directeur Freddy Buache, disparu en mai dernier, est à présent donné en alternance par deux membres de la Section d’histoire et esthétique du cinéma de l’Université de Lausanne (UNIL), le professeur Alain Boillat et Pierre-Emmanuel Jaques, maître d’enseignement et de recherche.

Le cinéma y est abordé par l’exemple: la référence aux séquences projetées, le plus souvent dans des copies 35mm issues des fonds de la Cinémathèque suisse, permet une sensibilisation à l’analyse filmique et une mise en perspective des films en fonction d’enjeux majeurs d’ordre esthétique, économique, technologique, patrimonial, culturel ou historiographique. 

Ce cours public, gratuit, organisé dans le cadre de la Collaboration UNIL+Cinémathèque suisse, est destiné à la fois aux étudiantes et étudiants en cinéma de l’Unil et à toute personne intéressée par l’histoire du cinéma.

L'expressionnisme allemand
Cours donné par Pierre-Emmanuel Jaques

Vitesse, vertige et «musicalité»: le cinéma français des années 1920
Cours donné par Alain Boillat

Le cinéma nordique du muet à Bergman
Cours donné par Pierre-Emmanuel Jaques

La généralisation du cinéma parlant: innovations et résistances
Cours donné par Alain Boillat

Tournés en cinq plans fixes, en noir et blanc, en un seul lieu, un seul jour, sans reprises ni coupures, les films Plans-Fixes composent une vaste collection de portraits de personnalités de Suisse romande – et quelquefois d'ailleurs – issues de divers domaines d'activité.

Le premier film a été réalisé en 1977 et, chaque année, une dizaine de nouveaux portraits voient le jour. L'absence du montage, un des principes de base de la collection, vise à mettre l'accent sur l'authenticité du moment et privilégie le point de vue de la personne, sujet du film, qui raconte son parcours et partage ses réflexions dans un entretien avec un(e) interlocuteur(-trice). La devise – «Un visage, une voix, une vie» – résume cette démarche. Dans leur ensemble, les films Plans-Fixes représentent un véritable panorama de la vie en Suisse du début du XXe siècle jusqu'à nos jours.