Décédé en mai dernier à Paris à l’âge de 94 ans, Michel Piccoli était l’un des plus grands comédiens (et cinéastes) de la planète. Comme l’écrivait l’ancien directeur de la Cinémathèque française Dominique Païni en 2007, pour l’hommage que le Festival de Locarno allait lui rendre, «la première vertu de Michel Piccoli est d’accueillir et d’incarner le génie. Et il le fréquenta souvent! Il apporte aux cinéastes une inquiétude, un excès et une puissance, une énergie monumentale dont une mise en scène profite. Si on se risque à l’inventaire des noms des cinéastes que Michel Piccoli a servis, c’est une sorte de dictionnaire idéal de la cinéphilie qui s’accomplit: Hitchcock, Renoir, Buñuel, Godard, Rivette, Demy, Varda, Oliveira, Ferreri, Bellocchio, Sautet, Chahine, Tavernier, Cavalier, Doillon, Moretti, Carax... Cette liste est inimaginable et il n’est pas concevable qu’un acteur ait pu faire un tel voyage».

Entre ses débuts dans l’immédiat après-guerre et aujourd’hui, ce Français avec de lointaines origines tessinoises (si, si!) a tourné dans plus de 200 films de cinéma et de télévision et joué, au théâtre, avec les plus grands metteurs en scène. J’ai pour ma part eu l’insigne honneur de l’accueillir à Locarno pour la projection de l’émouvant Sous les toits de Paris de Hiner Saleem, en compétition, et ensuite pour lui décerner l’Excellence Award que lui a remis la comédienne Ariane Ascaride. Il est reparti avec un deuxième Léopard sous le bras, puisque son rôle dans le film lui a valu le Prix du meilleur acteur. Mais il était déjà venu à Locarno bien des années plus tôt, en 1994, pour y montrer son premier court métrage en tant que «jeune» réalisateur de... 69 ans, Train de nuit. Il signera par la suite trois longs métrages qui démontrent tous la qualité très moderne – et toujours incroyablement jeune – de son regard.

Dans l’émotion qui m’étreint à le savoir parti rejoindre les étoiles, je ne peux qu’évoquer justement son immense curiosité, son désir inextinguible de toujours essayer de nouveaux parcours, de travailler avec des inconnus, d’accueillir l’improbable et d’être toujours présent, humain, chaleureux, avec ceux qui sont avec lui. J’ai rarement rencontré d’homme aussi célèbre qui ait cette ouverture d’esprit et cette curiosité à l’égard des autres. Il disait d’ailleurs aux Cahiers du cinéma, en 1986: «Il faut toujours apprendre son métier. On ne sait jamais quand on tombe sur une constellation juste, alors il faut voyager».

Ami de Freddy Buache et des cinémathèques, Michel Piccoli était venu à la Cinémathèque suisse en 2008 présenter Mado de Claude Sautet à l’occasion des répétitions de Minetti de Thomas Bernhard au Théâtre Vidy-Lausanne et d’une rétrospective en son honneur. Pour le coffret DVD que nous avions consacré à Freddy Buache, Michel Piccoli avait écrit: «Merci à ce voyageur qui a créé la magie d’une salle obscure». Je ne peux que renvoyer cette phrase à son auteur, car lui aussi fut, durant près de 75 ans, cet immense magicien des salles obscures.

Frédéric Maire

The French Connection, The Exorcist, Sorcerer, Cruising, To Live and Die in L.A. ou encore Bug: beaucoup de cinéastes tueraient père et mère pour réussir à planter autant de jalons dans l’histoire du cinéma. Le tout sans jamais avoir fait la moindre concession.

Grâce à Alexandre O. Philippe, ami du Festival International de Films de Fribourg (FIFF) qui explore The Exorcist dans son dernier documentaire Leap of Faith (2019), le FIFF était heureux et fier de pouvoir célébrer, en mars dernier et en collaboration avec la Cinémathèque suisse, un maître. Et puis, deux semaines avant le début du Festival, un virus, que même le paranoïaque de Bug ne pouvait imaginer dans ses pires cauchemars, en a décidé autrement. Qu’à cela ne tienne: ni votre cinémathèque ni le FIFF n’allaient s’avouer vaincus! Tout de même, il s’agissait d’honorer un père de nos cinéphilies. Et revoilà cette magnifique rétrospective, à tombeau ouvert. Attachez votre ceinture: ça va vaciller comme dans les poursuites d’anthologie de The French Connection et To Live and Die in L.A.! Maître? Père? Oui. Les treize films proposés ici remettent William Friedkin au milieu du village. Et pas n’importe lequel: celui, bâti aux Etats-Unis dans les années 1970, qui continue de plonger les cinéphiles dans un abîme de nostalgie. Sur la grand'place, Spielberg, Scorsese, Coppola, voire George Lucas ont leurs statues et leurs fidèles. On cite moins souvent le roi FriedKing, comme le surnomment ceux qui ne l’ont pas oublié, ou Billy, comme il signe modestement ses emails.

Et pourtant, sa griffe laisse une cicatrice profonde dans l’histoire du septième art. Contaminé par le cinéma à 20 ans, à la vision de Citizen Kane, il fait ses armes à la télévision, tout en manifestant d’emblée une ambition qui n’a d’égale que son goût du risque. En 1972, lorsque Friedkin devient, à 33 ans, le plus jeune cinéaste à obtenir l’Oscar du meilleur réalisateur pour The French Connection, Spielberg travaille encore à la télévision, Scorsese fait ses armes chez Roger Corman et Coppola n’a pas encore signé le premier Godfather. L’immense succès de son film suivant, The Exorcist, ouvre une porte décisive pour un cinéma de la violence et du malaise qui fera bien des petits, qu’ils soient requins ou chauffeurs de taxi. Friedkin a alors tout pour devenir le mentor de toute une génération. C’est mal le connaître.

Car Friedkin est un solitaire. «J’ai tendance, a-t-il déclaré, à être attiré par des personnages qui sont dos au mur avec très peu d’alternatives». De Sorcerer, qu’il considère comme sa plus grande réussite, à To Live and Die in L.A., le meilleur polar des années 1980, en passant par les vertigineux Cruising, Rampage ou Bug, les murs sont râpeux pour ses personnages, et souvent synonymes de tournages tumultueux pour le cinéaste. A lire son autobiographie, Friedkin Connection, l’une des plus passionnantes du genre, ses films sont ses miroirs: «Certaines des choses que j’ai faites n’auraient jamais pu recevoir l’aval des studios. J’ai mis des vies en danger. Je le dis avec plus de honte que de fierté, car aucun film ne vaut la peine de prendre ce genre de risques».

Thierry Jobin, directeur artistique du Festival International de Films de Fribourg

Outre les succès planétaires de French Connection (pour lequel il reçoit l’Oscar du meilleur réalisateur) et The Exorcist qui surviennent à l’aube de sa carrière, William Friedkin s’est par la suite engagé dans des projets aux styles bien différents: le remake d’un film de Henri-Georges Clouzot (Sorcerer), le thriller (Cruising) et même «l’erotic thriller» (Jade), l’adaptation romanesque (To Live and Die in L.A.), puis théâtrale (Bug) et enfin son tant attendu retour à l’horreur, genre qui l’a rendu célèbre, avec The Guardian, vingt ans après The Exorcist.

Notre amour du cinéma nous a joué un mauvais tour: aucun film de cette sélection n’avait osé imaginer qu’un pangolin... une chauve-souris... bref, que les projecteurs et la vie s’arrêtent à ce point. Contagion, Rage ou même le formidable film catastrophe sud-coréen The Flu n’étaient pas allés aussi loin. Au Festival International de Films de Fribourg, nous étions si fiers de pouvoir projeter en mars dernier, et puis non, Akira, le stupéfiant dessin animé de Katsuhiro Otomo qui avait, et pour la première fois, à la fin des années 1980, fait entrer l’anime japonaise dans les Cahiers du cinéma. Akira, c’était l’exemple parfait pour expliquer le principe de l’uchronie. Nous avions complètement rôdé le discours. Quand Otomo imagine, en 1988, que Tokyo, détruite par la Troisième Guerre mondiale et reconstruite en Neo-Tokyo, va accueillir les Jeux olympiques en 2020, il crée une dystopie, soit un monde utopique. Mais quand il s’avère que, dans la réalité, les JO auront bien lieu dans un Tokyo intact, on peut que considérer qu’Akira devient, en 2020, uchronique.

Déjà bien avant, notre amour du cinéma populaire avait failli nous jouer un mauvais tour. En choisissant, pour la section «Cinéma de genre» du Festival International de Films de Fribourg, l’uchronie, ce sous-genre qui ose réécrire l'Histoire, nous ne nous attendions pas à trouver si peu de titres recensés. Pourquoi avions-nous tant de difficultés à trouver des récits uchroniques dans le cinéma, alors que la littérature, la bande dessinée ou même les séries en regorgeaient (The Man from the High Castle, The Handmaid’s Diary, etc.)? Et puis, l’évidence a surgi. La représentation des peuples d’origine asiatique ou africaine dans le cinéma occidental, ou encore des femmes dans la quasi-totalité des productions mondiales? Uchronies! Car le cinéma, tel qu’il se pratique depuis 125 ans, consiste essentiellement à réécrire l'Histoire d’un point de vue de mâles, si possible blancs.

Et si? Cette question toute simple pousse la porte d’autres mondes. Des mondes apparemment semblables au nôtre. Mais prudence... Et si, cette fois, les nazis et nazies ruminaient leur revanche loin de la Terre? Et si la guerre de Sécession avait tourné au profit des esclavagistes? Et si les Noirs américains dirigeaient leur pays et pratiquaient une discrimination raciale systémique contre les Blancs? Et si les enfants, las des absurdités des adultes, décidaient de les éliminer? Et si les femmes dirigeaient le monde tandis que les hommes seraient contraints de porter le voile? Et si tout, absolument tout, était inversé comme dans l’hilarant Le Fantôme de la liberté de Luis Buñuel?

Et si? Bienvenue dans le monde de l’uchronie, terre de fiction de tous les possibles que le FIFF vous propose d’explorer au travers d’une sélection de classiques et de perles rares à vous faire douter de tout. Et si la Cinémathèque suisse reprenait cette sélection à cause d’un pangolin... d'une chauve-souris...? Ça non plus, nous ne pouvions pas l’imaginer, ni en rêver.

Thierry Jobin, directeur artistique du Festival International de Films de Fribourg, et Jean-Philippe Bernard, curateur de la section «Cinéma de genre: Mondes à l’envers»

Cinéaste, expérimentateur, dessinateur hors pair et prestidigitateur à ses heures perdues, toujours malicieux dans son regard sur le monde contemporain, Fredi M. Murer est un artiste exceptionnel dont l’origine même raconte ses œuvres, les tensions entre l’éden de la nature et la ville grise, entre Nidwald, terre de ses origines, et Zurich, sa ville d’adoption, entre la puissance de l’enfance et le désir de s’envoler, comme dans Höhenfeuer, Vollmond ou Vitus.

Dans les années 1960, ses premiers courts métrages expérimentaux, la plupart muets, vont parfois à la rencontre d’artistes qui, comme lui, recherchent une manière nouvelle d’exprimer le monde, comme le sculpteur Bernard Luginbühl. En 1968, il signe Vision of a Blind Man, film tourné par lui-même, les yeux bandés, durant toute une journée à Zurich, se fiant au son pour cadrer ses images.

L’année suivante, dans le cadre de Swissmade, film à sketches futuriste tourné par Yves Yersin, Fritz E. Maeder et lui-même, son moyen métrage de fiction 2069 – oder wo sich Futorologen und Archäologen gute Nacht sagen donne déjà une idée de sa conception visionnaire et sarcastique du futur, avec un pays entièrement contrôlé, et ce jusqu’à la vie sexuelle. Métaphore du cinéaste, un extraterrestre avec une caméra incrustée dans la tête – inventé par son ami H. R. Giger, futur créateur d’«Alien» – enregistre, «aveugle et sourd», la vie de cette société qui s’est inventé l’ordre éternel et la paix éternelle à l’écart.

Après son remarquable documentaire sur les habitants des montagnes, Wir Bergler in den Bergen sind eigentlich nicht schuld, dass wir da sind (1974), Fredi M. Murer retrouve la ville pour filmer la grise banlieue et ses habitants angoissés, dans ce qu’il appelle un «documentaire de fiction» qu’il écrit avec la collaboration de divers scénaristes (dont l’écrivain Adolf Muschg) et qu’il présente en compétition au Festival de Locarno en 1979.

Description très critique d’une Suisse urbaine déconnectée de ses racines, Grauzone est une des œuvres les plus puissantes réalisées sur la société du contrôle helvétique. Ce film prophétique – par ailleurs plutôt accueilli froidement en Suisse – préfigure à la fois les mouvements de révolte qui verront le jour à Zurich en 1980 («Züri brännt») et l’affaire des fiches qui éclatera en 1989. Pour Louis Skorecki (qui prête, à l’époque, sa plume aux Cahiers du cinéma), Murer est le plus grand cinéaste suisse avec Jean-Luc Godard. Et Grauzone est, pour lui, «une parabole hyperréaliste, science-fiction ethnologique sur ce qui se passe, aujourd’hui, en Suisse, sur ce qui se passera demain, si on n’y fait pas gaffe, ici, et peut-être même ailleurs».

Six ans plus tard, toujours à Locarno, Murer remonte dans les montagnes uranaises pour signer Höhenfeuer (L’Ame sœur) et tient sa revanche: le film obtient le Léopard d’or et connaît un succès international considérable. Il y a dans cette passion hors du temps, coupée de toute notion de société, dans cette transgression des Lois, une sorte de retour essentiel à la Nature; un amour fou entre ciel et terre, au-dessus des hommes, du côté des dieux. Une tragédie universelle.

Frédéric Maire

Fredi M. Murer est l’auteur d’une œuvre exigeante qui lui vaut de figurer parmi les grands noms du cinéma suisse. De ses courts métrages expérimentaux des années 1960–1970 (Pazifik, Vision of a Blind Man) à Vitus, en passant par ses portraits d’artistes (Chicorée, Passagen) et le chef-d’œuvre qu’est Höhenfeuer, le cinéaste alémanique aligne les films marquants dans le documentaire (Wir Bergler in den Bergen…, Der grüne Berg) comme dans la fiction (Grauzone, Vollmond) en interrogeant sans relâche la manière dont l’un et l’autre s’entremêlent.

La Cinémathèque suisse accueille le Lausanne Underground Film & Music Festival, dont l’édition 2020 se déroule du 14 au 18 octobre.

Difficile de se lancer dans la description de l’édition d’un festival qui est, au moment où ces lignes sont mises à plat, encore incertain de la forme qu’il va prendre et des saveurs qu’il va dégager. Les impératifs covidesques forcent à repenser les choses, mais aussi à considérer toutes annonces avec précaution. C’est pour cette raison que je vous demande à vous, honorables lectrices et lecteurs, et potentiels festivaliers, de considérer ce qui suit au conditionnel, bien que les éléments ici dévoilés soient parmi les plus certains et sécurisés de notre programmation.

L’année 2020 marquera donc le retour de deux figures majeures de la scène new-yorkaise des années «no wave». A savoir la diva du «spoken word», Lydia Lunch, et la réalisatrice transgressive Beth B, cette dernière ayant réalisé un formidable documentaire sur la première: Lydia Lunch: The War Is Never Over (2019). Une authentique plongée en apnée dans l’univers de cette grande dame au franc parler. Celle-ci nous fera également l’honneur d’une prestation scénique, de nature encore indéfinie à l’heure qu’il est, tandis que Beth B nous abreuvera d’une fascinante série de courts métrages sélectionnés par ses soins et spécifiquement mis en scène par des femmes entre 1918 et nos jours.

Issu, lui aussi, d’une scène alternative de la fin des années 1970, à savoir la scène punk japonaise, Masashi Yamamoto claque la porte de la prestigieuse Université de Meiji pour se consacrer pleinement à la réalisation de films Super 8. Anarchiste aussi bien dans le fond que dans la forme, son cinéma se fait rapidement remarquer, notamment au Festival de Berlin où son étonnante fable écolo-punk Robinson’s Garden décroche un prix en 1987. Le LUFF proposera un survol non exhaustif de son œuvre couronné par la projection exceptionnelle de son tout nouvel opus, le totalement foutraque et hautement réjouissant Wonderful Paradise.

C’est dans ce qu’il appelle les films-rêves que l’écrivain Maxime Lachaud va nous guider. De l’univers éthéré de Maya Deren aux poèmes moites de Jean Genet, ce sont des bobines emplies de voluptés cinégéniques qu’il nous proposera avec humour et passion. Cette thématique fera écho avec une autre cocassement appelée «Adieu au langage» et qui regroupera une sélection de films narratifs dont les auteurs ont décidé de se passer de tout dialogue, ou presque, comme le très étrange et très culte Dementia (1955) du très inconnu John Parker ou le traumatisant et expérimental Begotten (1989) d’E. Elias Merhige.

L’aperçu de cette édition forcément particulière est bref, mais, espérons-le, suffisamment séduisant pour vous convaincre de nous rendre visite en octobre, dans le respect des distances sociales bien entendu.

Julien Bodivit, directeur artistique du LUFF

Les souvenirs, les anecdotes, l’admiration pour l’homme de culture, poète et visionnaire inépuisable, et la reconnaissance de son rôle de passeur qui a contribué à initier et à former de nombreuses générations de cinéphiles et de professionnels du cinéma du monde entier, sont à la base de cette ligne de programmation consacrée à Freddy Buache.

Elle est en même temps le témoignage de la reconnaissance que nous – amis, cinéastes, artistes, élèves, étudiants et spectateurs de tout âge – lui portons, mais aussi de l’empreinte indélébile qu’il a laissée dans nos esprits.

Parce que le Freddy que nous avons connu, avec ses envolées enthousiastes, ses coups de gueule, ses combats, ses aversions et ses remises en question, a toujours été guidé par un amour et un respect profond pour l’être humain et son art, ainsi que par la passion de partager ce même amour avec les autres, peu importe où et comment.

Chaque mois, nous avons ainsi l’occasion de remontrer les films qui ont constitué sa cinéphilie et ceux qu’il a accompagnés, analysés ou même critiqués. Une programmation qui rappellera comment il a fait découvrir autant d’univers cinématographiques à un public éclectique, toujours fasciné par sa ferveur et par la facilité qu’il avait à raconter... jusqu’à le conquérir.

Chicca Bergonzi

Passeur passionné, l’ancien directeur du CAC-Voltaire (Genève) présente tous les premiers mardis du mois à la Cinémathèque suisse un film qui l’a marqué et dont il désire partager l'histoire avec les spectateurs.

«Depuis ma plus tendre enfance, j’associe ma passion du cinéma à mon amour de la vie. Qu’il fasse beau ou qu’il pleuve, en temps de guerre ou de paix, que le monde aille à sa perte ou qu’il se reconstruise avec bonheur, les films ont toujours été les régulateurs de mon existence. Rien de plus naturel donc à ce que je tienne à transmettre aux autres les éléments qui constituent la clé de ma raison de vivre» (Rui Nogueira).

Collaborateur à des revues et ouvrages sur le cinéma, délégué de festivals et directeur du CAC-Voltaire de 1978 à 2010, Rui Nogueira a proposé dans ses salles le meilleur de l’histoire du cinéma, mêlant aux films sa propre histoire et ses nombreuses rencontres avec des cinéastes et des comédiens. En réunissant une impressionnante collection de copies – et en les mettant en circulation en Suisse – il a également contribué à diffuser partout sa perception (et sa passion) du cinéma. Nous le retrouvons à présent à la Cinémathèque suisse, une fois par mois, où il continue de partager avec le public ses (nombreux) coups de cœur.

Moment d’approfondissement en présence de programmateurs, auteurs, cinéastes, critiques ou historiens du cinéma, ce cycle propose chaque mois une projection autour d’un film «documentaire». Un espace de discussion et de réflexion consacré non pas à un genre cinématographique prédéfini, mais à des œuvres peu connues ou à redécouvrir, qui fuient une définition stricte ou didactique des «images du réel», en opposition aux films de fiction.

Aujourd’hui, la frontière entre documentaire et fiction s’estompe de plus en plus. Le cinéma peut être terrain d’expériences narratives multiples ou se simplifier en formules rhétoriques et préconçues. C’est pour cette raison que nous sentons le besoin d’accompagner notre public à travers un cinéma qui se questionne, interroge le réel, élabore des hypothèses et propose des regards multiples. Parce que si l’objectivité au cinéma n’existe pas, nous avons soif d’une prise de position assumée et revendiquée de l’auteur, qui rende compte de la relation entre le cinéaste, son sujet et le spectateur. Pour redéfinir notre relation au réel, passé, présent et futur.

Chicca Bergonzi

Travelling vous emmène dans l’histoire des tournages des films cultes. La petite histoire des grands films vous est racontée entre anecdotes, archives et extraits. Dans notre projecteur sonore, ces mêmes films révèlent leur propre récit et nous permettent d’accueillir, dans notre cinéma radiophonique, tous les acteurs du septième art.

Catherine Fattebert vous invite à écouter (sur La 1ère) et à regarder (à la Cinémathèque suisse) Superman, Amadeus, La Belle et la Bête, The Right Stuff ou Les Ripoux, entre autres. Travelling, un déplacement de caméra pour tout connaître de l'histoire du cinéma!

En 2006, la Cinémathèque suisse débute un cycle destiné à présenter «Une histoire du cinéma en 300 films». Mais bien vite, le chiffre de 300 s'est révélé insuffisant. Et ce programme est devenu une «Histoire permanente du cinéma», destinée à offrir au public, année après année, une sélection des œuvres qui ont marqué le septième art. Etablie par le grand cinéphile Bernard Uhlmann, ancien directeur adjoint de notre institution, cette sélection (forcément subjective) réunit des films choisis pour leur importance historique, culturelle ou artistique.

Des œuvres particulièrement représentatives d'un auteur, d'une grande star, d'un courant, d'un genre, d'une mode ou d'un style. Un choix par force imparfait et peut-être arbitraire, mais qui permet l'approche concrète d'un art ayant marqué le XXe siècle et les mentalités de manière indélébile. C'est enfin l'occasion rêvée de remontrer de grands classiques, de susciter des (re)découvertes ou de rafraîchir salutairement les mémoires.

Festival international du film de Berlin – Ours d’or

Adoption (Örökbefogadás) de Márta Mészáros

Festival international du film de Cannes – Palme d’or

Chronique des années de braise (Waqa'i' sanawat ed-djamr) de Mohammed Lakhdar-Hamina

Festival international du film de Locarno – Léopard d’or

Le fils d’Amr est mort de Jean-Jacques Andrien

Mostra de Venise – Lion d’or

Suite aux événements de Mai 68, les éditions de la Mostra de Venise de 1969 à 1979 deviennent non compétitives et aucun prix n’est décerné pendant cette période.

Ce cycle invite à (re)découvrir des œuvres récemment restaurées par la Cinémathèque suisse. En septembre, le long métrage de fiction Dans la ville blanche d’Alain Tanner (1983) ; en octobre, l’un des films phares de Fredi M. Murer (1979), Grauzone, en sa présence et également projeté dans le cadre d'une rétrospective pour célébrer son 80e anniversaire.

Chargée par la Confédération d'assurer la préservation de l'héritage cinématographique national, la Cinémathèque suisse effectue des restaurations de films avec le soutien de Memoriav – Association pour la sauvegarde de la mémoire audiovisuelle suisse. La sélection s'établit en fonction d'une urgence technique (dégradation des supports), des caractéristiques des collections et de la représentativité des œuvres. Outre les longs métrages, on s'efforce de sauver des pans moins connus de la production suisse : documentaires, actualités, films amateurs. Mais aussi des films auxquels des Suisses ont participé, dont de nombreux reportages réalisés lors d'expéditions. On s'intéresse encore à la représentation de la Suisse dans les films tournés par des équipes étrangères. Sont présentés enfin des films d'autres pays dont le seul exemplaire connu est conservé par la Cinémathèque suisse, ainsi que des restaurations exemplaires effectuées par des institutions sœurs à l'étranger.

La restauration numérique de Dans la ville blanche d’Alain Tanner (1983) a été réalisée en 2019 par l’Association Alain Tanner qui a pour mission de valoriser et diffuser l’ensemble de l’œuvre du cinéaste. Elle a été effectuée en 4K, à partir des éléments image et son originaux. L’image a été numérisée par l’Immagine Ritrovata à Bologne et le son par Masé Studio à Genève. L’étalonnage a pour sa part été effectué chez Color Grade, à Genève, sous la supervision du chef opérateur Acácio de Almeida.

En présence de Gérard Ruey, président de l'Association Alain Tanner.

Le chef-d’œuvre intemporel de Fredi M. Murer, Grauzone, a fait l’objet d’une restauration numérique en 4K par la Cinémathèque suisse en 2018 sous la supervision du cinéaste. Ce long métrage avait été filmé et monté en pellicule inversible 16mm, puis gonflé et remonté en internégatif 35mm. C’est ce dernier qui avait ensuite servi de source pour le tirage de toutes les copies du film. Après l’analyse, l’internégatif a été choisi comme élément de base pour la restauration de l’image au laboratoire Cinegrell. Le son, quant à lui, a été restauré au TonStudio Z à partir des bandes magnétiques originales déposées au Lichtspiel à Berne.

Issu d’un partenariat entre le Département de la formation, de la jeunesse et de la culture de l'Etat de Vaud (DFJC) et diverses structures culturelles vaudoises, le Passculture promeut la culture auprès des élèves de l’enseigne- ment postobligatoire en facilitant l’accès aux spectacles et projections. Les élèves peuvent ainsi accéder à l’ensemble de la programmation courante de la Cinémathèque suisse au tarif préférentiel de 4 francs, hors avant-premières et ciné-concerts.

De manière complémentaire, la Direction générale de l’enseignement postobligatoire (DGEP) et le Centre d’études cinématographiques (CEC) de l’UNIL présentent une offre de médiation intégrée au Passculture. Huit séances bénéficiant d’une animation pédagogique sont ainsi programmées sur l’année. Des dossiers pédagogiques sont élaborés en fonction de certaines disciplines à l’intention des enseignants qui souhaiteraient intégrer une discussion des films du programme dans leurs cours. Animées par deux enseignants, Séverine Graff (Gymnase du Bugnon) et Frank Dayen (Gymnase de Morges), ainsi que ponctuellement par la chargée de la médiation culturelle du CEC, Chloé Hofmann, ou le directeur du Centre, Alain Boillat, ces séances tout public sont conçues avant tout comme un lieu d’échange intergénérationnel réunissant des passionnés de cinéma, dans un esprit de ciné-club.

Quand le cinéma raconte sa propre histoire

Cours donné par Alain Boillat

Aux premiers temps du cinéma

Cours donné par Pierre-Emmanuel Jaques

Passion/poursuite avant 1915 : deux motifs de linéarisation

Cours donné par Alain Boillat

Dans la profondeur : le cinéma des années 1910

Cours donné par Pierre-Emmanuel Jaques

L’espace dans les films de Charlie Chaplin

Cours donné par Alain Boillat.

Ce cours aura également lieu en ligne pour les étudiants de cinéma si les mesures sanitaires ne permettent pas de le tenir en présentiel au Cinématographe.

Le cours «Une histoire du cinéma en mots et en images», qui s’inscrit dans la filiation du cours public dispensé entre 1984 et 2019 à la Cinéma- thèque suisse par son ancien directeur Freddy Buache, est à présent donné en alternance par deux membres de la Section d’histoire et esthétique du cinéma de l’Université de Lausanne (UNIL), le professeur Alain Boillat et Pierre-Emmanuel Jaques, maître d’enseignement et de recherche.

Le cinéma y est abordé par l’exemple: la référence aux séquences projetées, le plus souvent dans des copies 35mm issues des fonds de la Cinémathèque suisse, permet une sensibilisation à l’analyse filmique et une mise en perspective des films en fonction d’enjeux majeurs d’ordre esthétique, économique, technologique, patrimonial, culturel ou historiographique.

Ce cours public, gratuit, organisé dans le cadre de la Collaboration UNIL+Cinémathèque suisse, est destiné à la fois aux étudiantes et étudiants en cinéma de l’Unil et à toute personne intéressée par l’histoire du cinéma.

Tournés en cinq plans fixes, en noir et blanc, en un seul lieu, un seul jour, sans reprises ni coupures, les films Plans-Fixes composent une vaste collection de portraits de personnalités de Suisse romande – et quelquefois d'ailleurs – issues de divers domaines d'activité.

Le premier film a été réalisé en 1977 et, chaque année, une dizaine de nouveaux portraits voient le jour. L'absence du montage, un des principes de base de la collection, vise à mettre l'accent sur l'authenticité du moment et privilégie le point de vue de la personne, sujet du film, qui raconte son parcours et partage ses réflexions dans un entretien avec un(e) interlocuteur(-trice). La devise – «Un visage, une voix, une vie» – résume cette démarche. Dans leur ensemble, les films Plans-Fixes représentent un véritable panorama de la vie en Suisse du début du XXe siècle jusqu'à nos jours.