Douglas Sirk n’est plus l’inconnu de l’histoire du cinéma qu’il est resté pendant toute son activité. On a reconnu en lui, depuis longtemps, le maître du mélodrame américain; son point de vue critique sur les Etats-Unis, sa sensibilité féministe, ont été analysés. Avec le recul, on découvre une productivité et une diversité étonnantes: 40 films en vingt-cinq ans, avec au milieu une interruption de quatre ans due à l’exil.

Douglas Sirk s’appelait encore Detlef Sierck quand il a commencé à mettre en scène au théâtre, juste après la Première Guerre mondiale. A 25 ans à peine, ce surdoué prend la direction du théâtre de Chemnitz, puis de Brême et de Leipzig, où il chapeaute la programmation et met en scène lui-même, certaines années plus d’une pièce par mois. Son travail scénique va irriguer tout son art. Il va transposer au cinéma le meilleur de son expérience, et n’oubliera jamais que la mise en scène est au cœur du spectacle. Comme Cukor, Visconti, Bergman, Ophüls, c’est à partir de, et avec, son bagage de théâtre que Sirk sera cinéaste.

Il se plonge dans le cinéma avec une fureur de travail: 7 longs métrages en trois ans pour la UFA. Le meilleur, Schlussakkord (1936), est un mélodrame, qui appose déjà sa signature sur le genre. Enfin, il crée la star internationale qui manque à l’Allemagne après 1933: Zarah Leander. Mais, en cette année 1937, Goebbels met la main sur la UFA, qui sera désormais au service de l’Etat nazi. Sierck est attaqué pour avoir épousé une femme juive. Plutôt que d’être contraint aux compromis, il décide de partir avec elle. Le couple a un but, l’Amérique. Après une errance de deux ans à travers l’Europe, une fois arrivés en Californie, Douglas Sirk (son nouveau nom) et sa femme tiennent une ferme et vivent à l’écart du cinéma. En 1943, un groupe d’exilés fait appel à lui pour diriger Hitler’s Madman (1943) et son activité de cinéaste reprend. Le temps de 3 films – Summer Storm (1944), A Scandal in Paris (1946), Lured (1947) –, il croise son acteur idéal, George Sanders. Dans un second mouvement, il s’intéresse à la réversibilité des relations humaines, avec Shockproof (1949) et le grand film méconnu qu’est The First Legion (1951).

Après l’échec d’une tentative de retour en Allemagne en 1949, il connaît un nouveau tournant. Au lieu de l’indépendance, Sirk cherche la discipline d’un studio pour se construire un espace de liberté. Il le trouve dans le plus petit des majors, Universal. Il y devient «une sorte de réalisateur maison», travaillant à la commande un peu comme en Allemagne, où il pouvait monter une quinzaine de pièces dans la saison: 6 films en un an et demi (1951 à 1953), 21 en huit ans.

De film en film, cet immigrant capture, comme peu l’ont fait, l’esprit et l’autoreprésentation du pays, jusque dans ses tares: bigoterie, misogynie, culte de l’argent, mépris de classe, racisme... Ses plus beaux personnages sont des marginaux: Rock Hudson dans All That Heaven Allows (1956), les aviateurs dans The Tarnished Angels (1957), la métisse Susan Kohner dans Imitation of Life (1959). Si on ajoute Written on the Wind (1956) et A Time to Love and a Time to Die (1958), on a le sommet de son parcours hollywoodien, au terme duquel il tient à retrouver l’Europe.

Bernard Eisenschitz, co-curateur de la rétrospective

Cette sélection de longs métrages propose un aperçu de sa production allemande signée Detlef Sierck, son nom de naissance. Elle se focalise toutefois sur les années qui ont suivi sa fuite du régime nazi en direction des Etats-Unis. Durant cette «période américaine», Sirk travaille pour les plus grands studios hollywoodiens et développe son style en plaçant les émotions au centre de ses préoccupations. Le goût du cinéaste pour les grands récits dramatiques et sentimentaux conduira la critique à le considérer comme le «maître du mélodrame».

Pendant ses études scientifiques à New York, à la fin des années 1950, Brian De Palma, déjà passionné par Hitchcock, Welles, Kubrick et le cinéma classique américain, découvre le cinéma européen – la Nouvelle Vague, le Free Cinema, le cinéma italien –, en fréquentant le milieu artistique en pleine effervescence de la Big Apple, et décide ainsi de se consacrer au théâtre et au septième art. Après quelques courts métrages, il coréalise en 1964 The Wedding Party, premier rôle au cinéma pour Robert de Niro, qui jouera aussi dans Greetings (Ours d’argent à Berlin en 1969), puis, en 1970, dans Hi, Mom!.

Grâce à Greetings, le jeune De Palma est appelé à Hollywood pour tourner Get to Know Your Rabbit avec Welles, mais il est renvoyé par la Warner Bros. et perd tout contrôle sur le film, traumatisme qui inspirera plus tard son Phantom of the Paradise, parodie satirique horror-rock de l’industrie hollywoodienne. A Los Angeles, il fréquente les jeunes réalisateurs du Nouvel Hollywood (Spielberg, Scorsese, Coppola et Lucas), et malgré son échec avec la Warner, il réussit à tourner Sisters qui obtient un discret succès et marque un tournant dans sa carrière. Entre film d’horreur et thriller, c’est le premier d’une série d’hommages à Hitchcock et de relectures de ses films, dont certains – Psycho, Vertigo, Rear Window principalement – sont pour De Palma un modèle de départ et un archétype, outils d’apprentis- sage et d’étude (Obsession, Dressed to Kill) jusqu’au dépassement (Body Double, Raising Cain, Femme fatale). Ces films lui permettront d’illustrer et de développer certains des sujets centraux de son cinéma: le voyeurisme, le double et l'allégorie dans l'image.

Après le succès de Carrie et de The Fury, c’est un De Palma marqué par l’histoire américaine plus récente (la guerre du Vietnam, les assassinats de Kennedy et Luther King, le Watergate) qui s’affirme dans Blow Out. Inspiré par Blow-Up d’Antonioni et par The Conversation de Coppola, le film témoigne d’un attachement au cinéma politique de la part du cinéaste, exprime sa volonté de dénonciation de l’establishment et fait preuve d’un esprit critique vis-à-vis de la société américaine et de ses institutions. Corruption, cupidité, pouvoir, complot, manipulation des images seront ainsi d’autres sujets abordés tout au long de sa carrière (The Bonfire of the Vanities, Mission: Impossible, Snake Eyes, Redacted).

En 1983, il tourne Scarface, remake du film d’Howard Hawks, écrit par Oliver Stone avec Al Pacino, mal reçu à l’époque de sa sortie, mais devenu culte depuis. L’occasion pour lui d’étudier et de décomposer le film noir et le film de gangsters, revisités et déclinés ensuite dans The Untouchables, Carlito’s Way ou The Black Dahlia.

Cinéphile hors pair souvent incompris, accusé parfois d‘être un imitateur et un pilleur, De Palma est devenu aujourd’hui à son tour une source d’inspi- ration pour les nouvelles générations. Son œuvre est une invitation à voyager à travers l’histoire du cinéma et ses genres. Comme des poupées russes, ses récits s'emboîtent les uns dans les autres et nous rappellent que l’art n’est qu’un éternel recommencement.

Chicca Bergonzi

Expérimentateur hors pair, Brian De Palma est l'auteur d'une filmographie visionnaire bâtie au sein même de l'industrie hollywoodienne. Qu'ils soient majeurs ou mineurs, inscrits dans le cinéma de genre, le thriller ou la comédie, ses films ont en commun un sens exacerbé du style. Chez ce grand cinéaste maniériste, tout est question de regard, à tel point que la mise en scène raconte davantage le film que la narration. Dans cette logique, deux thèmes récurrents parcourent son œuvre: le voyeurisme et le rôle manipulateur de l'image.

La filmographie de Dominique de Rivaz se caractérise par les liens qu’elle entretient avec d’autres arts comme la littérature, le théâtre ou la peinture. Véritable touche-à-tout, la cinéaste intègre ses intérêts multiples à chacun de ses films, qu’il s’agisse de fictions ou de documentaires. Cette sélection de longs et moyens métrages témoigne également de la diversité des genres cinématographiques auxquels elle s’est essayée: film d’époque (Mein Name ist Bach), fable philosophique (Luftbusiness), portraits filmés d’artistes ou encore essai cinématographique (Elégie pour un phare).

Partageant sa vie entre Berne et Berlin, avec un cœur tourné vers l’Est, et une passion pour l’imaginaire, Dominique de Rivaz est sans doute l’une des figures les plus importantes du cinéma et de la culture en Suisse. La Cinémathèque suisse est très heureuse de l’accueillir pour une rétrospective de son travail de réalisatrice à l’occasion de la première de son nouveau film, Un selfie avec Anton Tchekhov.

Née en 1953 à Zurich, d’origine à la fois valaisanne et italienne, Dominique de Rivaz a connu très tôt la célébrité: en 1978, participant à l’émission La Course autour du monde, son visage et surtout ses films courts tournés en Super 8 font, pendant plusieurs mois, les belles heures des télévisions francophones. A son retour, elle travaille au service de presse du CICR et au service photo du magazine L’Hebdo. Mais, contraire- ment à certains de ses collègues, qui, course terminée, ont persévéré dans le journalisme, Dominique de Rivaz retourne derrière la caméra.

En 1985, elle signe son premier court métrage, Aélia, une fiction en noir et blanc située au Moyen Âge qui raconte l’amour interdit d’une femme éprise d’un gisant de granit. Ce film «onirique, mystique, dont chaque plan est une peinture, une composition de chair et de pierre» (pour Les Cahiers du cinéma) va faire le tour du monde des festivals et remportera le prix du public au Festival de Clermont-Ferrand. Après un documentaire consacré à Georges Borgeaud, elle signe une deuxième fiction courte, Le Jour du Bain, présentée au Festival de Locarno en 1995, saisissante évocation du massacre des juifs ukrainiens à Babi Yar, en 1941, vue à travers le destin d’une femme, Lena, incarnée par Ingvild Holm.

Puis, elle retourne au documentaire en cosignant avec Jacqueline Veuve une Balade fribourgeoise (1997), suivie par un hommage à Jean Rouch coréalisé avec Lionel Baier, Mon père c'est un lion (2002). Elle se lance alors dans l’aventure de son premier long métrage de fiction, Mein Name ist Bach, film historique et en costumes où elle raconte la rencontre en 1747 entre le compositeur vieillissant et le jeune roi de Prusse Frédéric II. Un duel psychologique et musical entre deux monstres, et une guerre des clans entre musique et pouvoir, traités non sans humour, qui remporte le Prix du cinéma suisse en 2004.

Elle revient ensuite au documentaire en signant, en 2005, un émouvant hommage à Jacqueline Veuve (Chère Jacqueline). Suivi, en 2008, par son deuxième long métrage de fiction, Luftbusiness, récit faustien de trois jeunes marginaux qui vendent sur internet leur âme, et qui vaudra à l’acteur Dominique Jann un Prix du cinéma suisse. Suivront un portrait pour la télévision du cinéaste Claude Goretta, ainsi que, en 2013, l’essai poétique tourné dans le Grand Nord russe, Elégie pour un phare.

Dominique de Rivaz poursuit en parallèle une remarquable carrière de photographe et d’auteure, avec plusieurs ouvrages publiés aux éditions Buchet-Chastel, Zoé ou Noir sur Blanc, dont récemment Kaliningrad, la petite Russie d’Europe, magnifique témoignage sur cette enclave russe en Europe, située, aujourd’hui comme hier, au centre de grandes tensions géopolitiques.

Frédéric Maire

Faisant écho à sa production de longs et de moyens métrages en ce qu’ils jouent avec la frontière entre documentaire, essai filmique et fiction, les courts métrages de Dominique de Rivaz accordent tous une place centrale à la poésie et à la mémoire. Un récit empreint de mysticisme (Aélia), un hommage à des lieux disparus (Surmatants), un portrait de Jean Rouch, un essai poétique (Bubble Wrap) ou encore un hommage aux victimes de la Seconde Guerre mondiale (Le Jour du bain) constituent différents exemples de l’importance du format court dans l’œuvre de la cinéaste.

Après deux années perturbées par la pandémie, Le Festival cinémas d’Afrique Lausanne met le cap sur sa 16e édition, qui se déroulera du 17 au 22 août. Il reprend ainsi ses quartiers sur l’Esplanade et au Casino de Montbenon et propose un panorama de films contemporains provenant de toutes les régions du continent africain. Il s’associe à la Cinémathèque suisse pour une rétrospective consacrée à l’œuvre du cinéaste sénégalais Moussa Sène Absa, présent pour l’occasion.

La programmation du festival reflète une large palette de la production africaine, en proposant des œuvres fortes et originales, aussi bien dans l’écriture, dans la thématique, que dans la démarche. Les cinéastes sont originaires des différentes régions, cultures et langues du continent, de la diaspora africaine et de quelques pays occidentaux. Les séances sont suivies de discussions en présence de nombreux invitées et invités.

Au cœur de la programmation, la section Panorama présente à chaque édition une sélection de films récents et pour la plupart inédits en Suisse: Une histoire d’amour et de désir de Leyla Bouzid (Tunisie), Aza Kivy (Etoile du matin) de Lova Nantenaina (Madagascar), Guled & Nasra (La Femme du fossoyeur) de Khadar Ayderus Ahmed (Somalie), Neptune Frost de Saul Williams et Anisia Uzeyman (Rwanda), Feathers (Plumes) d’Omar El Zohairy (Egypte) et Zanka Contact d'Ismaël El Iraki (Maroc).

Les autres sections, qui font la richesse de la manifestation, seront de retour cette année, notamment avec un focus sur le Bénin, à l’honneur cette année. Malgré le succès et la renommée de ses fondateurs, à l’instar de Paulin Soumanou Vieyra, Sylvestre Amoussou ou Jean Odoutan, le cinéma béninois peine à acquérir une visibilité au-delà de ses frontières. Pourtant, une génération de cinéastes apparaît. Très dynamique, active sur les réseaux, créatrice de festivals et animatrice de ciné-clubs, cette génération formée dans les écoles du pays accède à la production et propose des œuvres courtes et percutantes, dans la fiction et le docu- mentaire, que le festival se réjouit de proposer au public lausannois.

La carte blanche est offerte à un partenaire des premières heures, l'association Base-Court, qui organise notamment la tournée de la Nuit du court métrage et qui partagera ses coups de cœur avec une sélection de films courts, un format très apprécié du public.

Entrée: 15/10 francs. Forfait une journée: 30/25 francs. Abonnement festival: 60/50 francs. Abonnements et cartes de la Cinémathèque suisse valables. Entrée libre aux projections du soir à 21h au Théâtre de verdure (ou à la salle Paderewski en cas de pluie). Prix réduits pour les Amis du Festival, les chômeurs, AVS et étudiants.

Programme complet et billetterie sur www.cine-afrique.ch

Le comité du Festival

Société de production et de distribution historique dans l’histoire du cinéma mondial, Gaumont restaure progressivement son patrimoine depuis quelques années. Une belle occasion pour la Cinémathèque suisse de revaloriser des œuvres importantes à travers son catalogue de diffusion.

Le secteur diffusion de la Cinémathèque suisse contribue à l’enrichissement de ses collections, tout en valorisant en salles le cinéma de patrimoine, ainsi que les films contemporains n’ayant pas trouvé de distributeur sur le territoire suisse. Dans ce cadre et compte tenu des bonnes relations entretenues par notre institution avec Gaumont qui effectue un immense travail de restauration de ses collections, il paraissait important de pouvoir représenter des œuvres de cette doyenne de la production cinématographique et de faciliter un retour en salle de quelques films restaurés des cinéastes qui ont bâti sa réputation.

Mais quelle difficulté de se limiter à une sélection d’une dizaine de titres pour faire état d’un catalogue aussi vaste et représentatif d’un cinéma national que celui de Gaumont. La sélection effectuée représente subjectivement trente ans de cinéma français, de l’entre-deux-guerres au début des années 1960. Un voyage à travers un cinéma français qui glisse du réalisme poétique – premier grand courant depuis la propagation du cinéma parlant (Zéro de conduite et L’Atalante de Jean Vigo) – vers un réalisme psychologique (Douce de Claude Autant-Lara, scénarisé par Pierre Bost et Jean Aurenche) lui emboîtant le pas à l’aune de la Seconde Guerre mondiale. Un courant généralisé durant la période dite de la Qualité française qui décline, dès le milieu des années 1950, pour laisser place aux prémices de la Nouvelle Vague (Le Feu Follet de Louis Malle se situant entre ces deux tendances).

Prenant place dès 1945, cette période du cinéma restera synonyme d’excellence pour le système de production français jusque dans le milieu des années 1950. Elle constitue une approche d’un cinéma très maîtrisé et rigoureux, tourné majoritairement en studio, et dans laquelle les scénaristes et les techniciens (chefs opérateurs, costumiers, décorateurs) jouent un rôle primordial.

Cette approche perd ensuite ses lettres de noblesse, fustigée par une jeune génération de cinéastes – souvent rompus à l’exercice critique par leur passage dans Les Cahiers du cinéma – voulant se démarquer de l’arrière-garde et qui formeront la Nouvelle Vague, à l’instar de François Truffaut et de son fameux plaidoyer en faveur d’une distanciation de cette Qualité française, «Une certaine tendance du cinéma français», paru dans le numéro de janvier 1954 des Cahiers du cinéma. Mais au-delà des appartenances et classifications, le présent cycle de films permet avant tout d’explorer des œuvres de réalisateurs qui ont marqué un pan de l’histoire du cinéma par le prisme d’une maison de production iconique.

Romain Holweger

Le 24 septembre, dans le cadre de la Nuit des musées de Lausanne et Pully (NDM), la Cinémathèque suisse propose deux documentaires fascinants sur les archives du septième art à travers le monde. Deux réflexions sur l'avenir des films à l'air du numérique et les moyens mis en oeuvre pour y parvenir. Une véritable course contre la montre au niveau planétaire pour sauver la mémoire des images en mouvement, témoins privilégiés des mutations de l'histoire depuis 1895, date à laquelle le cinéma fut inventé. Simple divertissement voué à disparaître à ses débuts, le cinéma est devenu aujourd'hui une industrie colossale, avec des enjeux de préservation complexes, débattus par de nombreux spécialistes et cinéastes dans les deux films présentés lors de cette édition 2022 de la NDM.

Plus d'informations sur www.nuitdesmusees.ch
Pass Nuit des musées: CHF 10.–, gratuit pour les enfants de moins de 16 ans.

En marge de ces deux projections au Casino de Montbenon, la Cinémathèque suisse propose une journée Portes ouvertes dans ses propres archives à Penthaz, le 24 septembre entre 11h et 21h.

La Cinémathèque suisse accueille le Lausanne Underground Film & Music Festival, dont l’édition 2022 se déroule du 19 au 23 octobre.

S’il y a un thème qui résume les grandes lignes de cette édition, c’est celui de «Camp». Défini dans Notes on «Camp» en 1964, par l’essayiste Susan Sontag, il s’agit d’«une esthétique de la sophistication et de la théâtralité où l’individu ne se pense plus comme sujet, mais en tant que posture», il traduit une attitude volontiers outrancière. Celle-ci est subtilement introduite par le focus de notre programmation intitulé «Bad Taste is Good Taste: Underground Camp Melodrama», dans lequel figurent quatre titres emblématiques de la scène underground queer anglo-saxonne, parmi lesquels Multiple Maniacs

de John Waters (1970), longtemps resté invisible pour des questions de droits et dans lequel Divine se livre à l’une de ses performances les plus mémorables. Mais également le chef-d’œuvre déjanté Thundercrack! de Curt McDowell (1975), où George Kuchar affronte un gorille en liberté, dans une demeure au fond des bois, lors une nuit d’orage. Ces films seront présentés par l’écrivain Pascal Françaix, auteur d’une trilogie de livres consacrés au «Camp» et dont la sortie du troisième opus devrait coïncider avec le festival.

Moins queer, mais tout aussi percutants, sont les films de Roberta Findlay, l’une des rares femmes à avoir su s’imposer dans le milieu du cinéma d’exploitation des années 1960 à 1980. C’est avec fierté que le LUFF accueille pour la première fois en Suisse cette figure légendaire aujourd’hui à la tête du studio d’enregistrement Sear Sound, qui a vu passer Sonic Youth, David Bowie ou Patti Smith. Et parce qu’elle ne revient que très rarement sur sa carrière passée, sa visite lausannoise peut légitimement être considérée comme un événement historique. L’occasion de (re)découvrir sur grand écran le rarissime Mystique (1979) ou le méchant Tenement (1985).

Radicalement différent est le cinéma de la Bulgare Mara Mattuschka. Formée à l’université des arts appliqués de Vienne, elle entame dès 1983 la production d’une série de films mêlant body art et expérimentations, dans lesquels elle ne cesse d’interroger son identité en tant qu’artiste et femme, tout en insistant sur une dimension performative qui rappelle, parfois les actionnistes. Séduit par son œuvre, Peter Tscherkassky la définit comme «un exhibitionnisme transformé en art». Difficile de faire plus «Camp».

Stephen Sayadian sera lui aussi de la partie, afin d’accompagner les splendides copies restaurées de ses délires érotico-pop que sont Café Flesh (1984) et Dr. Caligari (1989), ainsi que le documentariste social Travis Wilkerson, auteur de An Injury to One (2002), fascinante plongée dans l’histoire de Butte, ville minière du Montana s’apparentant aujourd’hui à une profonde cicatrice, conséquence des excès du capitalisme au cours du XX^e siècle.

Programme actuellement sujet à modification et à retrouver mi-septembre sur www.luff.ch

Julien Bodivit, directeur artistique du LUFF

Les souvenirs, les anecdotes, l’admiration pour l’homme de culture, poète et visionnaire inépuisable, et la reconnaissance de son rôle de passeur qui a contribué à initier et à former de nombreuses générations de cinéphiles et de professionnels du cinéma du monde entier, sont à la base de cette ligne de programmation consacrée à Freddy Buache.

Elle est en même temps le témoignage de la reconnaissance que nous – amis, cinéastes, artistes, élèves, étudiants et spectateurs de tout âge – lui portons, mais aussi de l’empreinte indélébile qu’il a laissée dans nos esprits.

Parce que le Freddy que nous avons connu, avec ses envolées enthousiastes, ses coups de gueule, ses combats, ses aversions et ses remises en question, a toujours été guidé par un amour et un respect profond pour l’être humain et son art, ainsi que par la passion de partager ce même amour avec les autres, peu importe où et comment.

Chaque mois, nous avons ainsi l’occasion de remontrer les films qui ont constitué sa cinéphilie et ceux qu’il a accompagnés, analysés ou même critiqués. Une programmation qui rappellera comment il a fait découvrir autant d’univers cinématographiques à un public éclectique, toujours fasciné par sa ferveur et par la facilité qu’il avait à raconter... jusqu’à le conquérir.

Chicca Bergonzi

Passeur passionné, l’ancien directeur du CAC-Voltaire (Genève) présente chaque mois à la Cinémathèque suisse un film qui l’a marqué et dont il désire partager l'histoire avec les spectateurs.

«Depuis ma plus tendre enfance, j’associe ma passion du cinéma à mon amour de la vie. Qu’il fasse beau ou qu’il pleuve, en temps de guerre ou de paix, que le monde aille à sa perte ou qu’il se reconstruise avec bonheur, les films ont toujours été les régulateurs de mon existence. Rien de plus naturel donc à ce que je tienne à transmettre aux autres les éléments qui constituent la clé de ma raison de vivre» (Rui Nogueira).

Collaborateur à des revues et ouvrages sur le cinéma, délégué de festivals et directeur du CAC-Voltaire de 1978 à 2010, Rui Nogueira a proposé dans ses salles le meilleur de l’histoire du cinéma, mêlant aux films sa propre histoire et ses nombreuses rencontres avec des cinéastes et des comédiens. En réunissant une impressionnante collection de copies – et en les mettant en circulation en Suisse – il a également contribué à diffuser partout sa perception (et sa passion) du cinéma. Nous le retrouvons à présent à la Cinémathèque suisse, une fois par mois, où il continue de partager avec le public ses (nombreux) coups de cœur.

En partenariat avec la Fondation Rui Nogueira.

Travelling vous emmène dans l’histoire des tournages des films cultes. La petite histoire des grands films vous est racontée entre anecdotes, archives et extraits. Dans notre projecteur sonore, ces mêmes films révèlent leur propre récit et nous permettent d’accueillir, dans notre cinéma radiophonique, tous les acteurs du septième art.

Catherine Fattebert vous invite à écouter (sur RTS La Première) et à regarder (à la Cinémathèque suisse) Delicatessen, Tchao Pantin, Scarface, Conan the Barbarian ou Starship Troopers, entre autres. Travelling, un déplacement de caméra pour tout connaître de l'histoire du cinéma!

Pour entendre les films, c'est dans l'émission Travelling sur RTS La Première tous les dimanches de 10h à 11h, rediffusion les lundis de 1h à 2h du matin, et en tout temps sur Play RTS. Pour les voir, c'est à la Cinémathèque suisse tous les dimanches à 15h et les samedis à 21h.

Retrouvez toute l'actualité cinématographique
de la RTS sur https://www.rts.ch/info/culture/cinema

En 2006, la Cinémathèque suisse débute un cycle destiné à présenter «Une histoire du cinéma en 300 films». Mais bien vite, le chiffre de 300 s'est révélé insuffisant. Et ce programme est devenu une «Histoire permanente du cinéma», destinée à offrir au public, année après année, une sélection des œuvres qui ont marqué le septième art. Etablie par le grand cinéphile Bernard Uhlmann, ancien directeur adjoint de notre institution, cette sélection (forcément subjective) réunit des films choisis pour leur importance historique, culturelle ou artistique.

Des œuvres particulièrement représentatives d'un auteur, d'une grande star, d'un courant, d'un genre, d'une mode ou d'un style. Un choix par force imparfait et peut-être arbitraire, mais qui permet l'approche concrète d'un art ayant marqué le XX^e siècle et les mentalités de manière indélébile. C'est enfin l'occasion rêvée de remontrer de grands classiques, de susciter des (re)découvertes ou de rafraîchir salutairement les mémoires.

Sauf exception, rendez-vous avec ce cycle les dimanches soir et lundis après-midi (reprises). La programmation est parfois tributaire de la disponibilité et de l'état des copies.

Festival international du film de Berlin – Ours d’or

Las truchas de José Luis García Sánchez et Las palabras de Max de Emilio Martínez

Festival international du film de Cannes – Palme d’or

L'albero degli zoccoli d'Ermanno Olmi

Festival international du film de Locarno – Léopard d’or

Les Fainéants de la vallée fertile (Oi Tembelides tis eforis koiladas) de Níkos Panayotópoulos

Mostra de Venise – Lion d’or

Suite aux événements de Mai 68, les éditions de la Mostra de Venise de 1969 à 1979 deviennent non compétitives et aucun prix n’est décerné pendant cette période.

Chaque mois, des œuvres restaurées à (re)découvrir. En septembre, une séance autour du réalisateur suisse Werner Dressler ; en octobre, c’est le producteur suisse Julius Pinschewer qui est à l’honneur.

Chargée par la Confédération d'assurer la préservation de l'héritage cinématographique national, la Cinémathèque suisse effectue des restaurations de films avec le soutien de Memoriav – Association pour la sauvegarde de la mémoire audiovisuelle suisse. La sélection s'établit en fonction d'une urgence technique (dégradation des supports), des caractéristiques des collections et de la représentativité des œuvres. Outre les longs métrages, on s'efforce de sauver des pans moins connus de la production suisse: documentaires, actualités, films amateurs. Mais aussi des films auxquels des Suisses ont participé, dont de nombreux reportages réalisés lors d'expéditions. On s'intéresse encore à la repré- sentation de la Suisse dans les films tournés par des équipes étrangères. Sont présentés enfin des films d'autres pays dont le seul exemplaire connu est conservé par la Cinémathèque suisse, ainsi que des restaurations exemplaires effectuées par des institutions sœurs à l'étranger.

Né d’une collaboration avec le Festival Cinéma Jeune Public, le cycle de films «Ciné-familles» est le rendez-vous régulier de la Cinémathèque suisse pour les enfants et leur famille. Une fois par mois, le mercredi après-midi ou le dimanche matin, un film du patrimoine cinématographique est présenté dans nos salles. Espace de découverte, de rencontre, et de réflexion autour du septième art et de son histoire, ces séances sont l’occasion de discuter de longs et de courts métrages en provenance des quatre coins du monde. Ciné-familles vous invite à venir découvrir des classiques du cinéma ou certaines perles rares méconnues. Les thématiques et les enjeux de ces films sont abordés au début de chaque séance, avec une médiatrice culturelle ou un médiateur culturel, afin de préparer les enfants à la projection. Une belle occasion de découvrir ensemble et sur grand écran la richesse du patrimoine cinématographique tout au long de l’année. Après chaque séance, les enfants reçoivent un kit à emporter à la maison. Adapté à chaque tranche d’âge, celui-ci offre une expérimentation liée au cinéma ou une activité créative à réaliser en famille tout en prolon- geant la réflexion autour de la projection.

Billet à 5 francs pour les enfants de moins de 12 ans.

Issu d’un partenariat entre le Département de la formation, de la jeunesse et de la culture de l'Etat de Vaud (DFJC) et diverses structures culturelles vaudoises, le Passculture promeut la culture auprès des élèves de l’enseignement postobligatoire en facilitant l’accès aux spectacles et projections. Les élèves peuvent ainsi accéder à l’ensemble de la programmation de la Cinémathèque suisse au tarif préférentiel de 4 francs, hors avant-premières et ciné-concerts.

De manière complémentaire, la Direction générale de l’enseignement postobligatoire (DGEP) et le Centre d’études cinématographiques (CEC) de l’UNIL présentent une offre de médiation intégrée au Passculture. Huit séances bénéficiant d’une animation pédagogique sont ainsi programmées sur l’année. Des dossiers pédagogiques sont élaborés en fonction de certaines disciplines à l’intention des enseignants qui souhaiteraient intégrer une discussion des films du programme dans leurs cours. Animées par deux enseignants, Séverine Graff (Gymnase du Bugnon) et Frank Dayen (Gymnase de Morges), ainsi que ponctuellement par la chargée de la médiation culturelle du CEC, Chloé Hofmann, ou le directeur du Centre, Alain Boillat, ces séances tout public sont conçues avant tout comme un lieu d’échange intergénérationnel réunissant des passionnés de cinéma, dans un esprit de ciné-club.

www.passculture.ch

www.cinematheque.ch/passculture

Ce cours, dispensé en alternance par Alain Boillat et Pierre-Emmanuel Jaques de la Section d’histoire et esthétique du cinéma de l’Université de Lausanne, vise à donner, dans une perspective généraliste et introductive, un panorama de l’histoire du cinéma. Il comporte des séances consacrées au cinéma mondial, des premiers temps à la fin du XXe siècle. Les séances sont consacrées à un genre (film noir, western, science-fiction, documentaire, animation) ou à une période phare d’une production nationale telle que la «Qualité française», les nouveaux cinémas (allemand, suisse et de l’Est), les productions japonaises classiques et asiatiques contemporaines, et le cinéma français «moderne».

Le cours se déroule dans la salle Paderewski du Casino de Montbenon et consiste en la discussion d’extraits notamment tirés de copies appartenant aux riches collections de la Cinémathèque suisse.

Entrée libre. Tous les cours ont lieu le mercredi de 14h à 16h dans la salle Paderewski.

Passion, poursuite, sérialité: vers une linéarisation du récit filmique

Cours donné par Alain Boillat

Charlie Chaplin jusqu’au Dictateur

Cours donné par Alain Boillat

Le cinéma de D. W. Griffith et la création d’Hollywood

Cours donné par Pierre-Emmanuel Jaques

Tournés en cinq plans fixes, en noir et blanc, en un seul lieu, un seul jour, sans reprises ni coupures, les films Plans-Fixes composent une vaste collection de portraits de personnalités de Suisse romande – et quelquefois d'ailleurs – issues de divers domaines d'activité.

Le premier film a été réalisé en 1977 et, chaque année, une dizaine de nouveaux portraits voient le jour. L'absence du montage, un des principes de base de la collection, vise à mettre l'accent sur l'authenticité du moment et privilégie le point de vue de la personne, sujet du film, qui raconte son parcours et partage ses réflexions dans un entretien avec un interlocuteur ou une interlocutrice. La devise – «Un visage, une voix, une vie» – résume cette démarche. Dans leur ensemble, les films Plans-Fixes représentent un véritable panorama de la vie en Suisse du début du XX^e siècle jusqu'à nos jours.

 Toutes les projections en première sont gratuites.

www.plansfixes.ch

Tournés en cinq plans fixes, en noir et blanc, en un seul lieu, un seul jour, sans reprises ni coupures, les films Plans-Fixes composent une vaste collection de portraits de personnalités de Suisse romande – et quelquefois d'ailleurs – issues de divers domaines d'activité.

Le premier film a été réalisé en 1977 et, chaque année, une dizaine de nouveaux portraits voient le jour. L'absence du montage, un des principes de base de la collection, vise à mettre l'accent sur l'authenticité du moment et privilégie le point de vue de la personne, sujet du film, qui raconte son parcours et partage ses réflexions dans un entretien avec un interlocuteur ou une interlocutrice. La devise – «Un visage, une voix, une vie» – résume cette démarche. Dans leur ensemble, les films Plans-Fixes représentent un véritable panorama de la vie en Suisse du début du XX^e siècle jusqu'à nos jours.

 Toutes les projections en première sont gratuites.

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